MI PERFIL: LA PINTURA

LA PINTURA

Es el arte de crear imágenes aplicándole color a una superficie. En una pintura se pueden registrar sucesos, captar un gesto de una persona, contar historias, expresar emociones, ideas y a su vez deleitarnos con su belleza.

La pintura es una manifestación artística que data de hace muchos años. Y “en aquellos tiempos los hombres cogían tierra coloreada y dibujaban toscamente las formas de un bisonte sobre las paredes de una cueva” E.H. Gombrich.

Hace unos quince mil años, el hombre empezó a dibujar de manera burda bisontes en cuevas, parece absurdo pensar que en aquellos tiempos, cuando el hombre estaba explorando la forma de tallar instrumentos en piedra, se cubría con escasas pieles de animales y se protegiera en cavernas; tuviese algún sentido artístico. Al pintarlos en las paredes captaba no solo la imagen del animal, sino el animal mismo. Era un rito mágico, un conjuro que pondría la caza en sus manos.

Con el paso de los años, el hombre exploro otros tipos de arte, pero con la pintura se ha dado una cierta magia casi religiosa. En el culto a sus muertos se les pintaba el cuerpo con diversos colores.

El objeto artístico y especialmente la pintura debe observarse desde su contenido y su significado. Estos conceptos, necesitan tener conocimientos de composición de la obra, tener un gusto estético y una comprensión del significado del tema.

El primer momento de revisar una pintura se debe evitar buscar una explicación estética o juicios de valor y es muy importante conocer sobre Historia del Arte. Además el espectador debe situarse en el espacio y tiempo en que la obra fue creada.

La pintura fue ensalzada por Lope de Vega en su Laurel de Apolo. Comparándola con la poesía, dándole más valor a la pintura que a su propia actividad:

Bien es verdad que llaman la poesía
Pintura que habla,
Y llaman la pintura poesía muda
Que exceder porfía
lo que la viva voz mostrar procura
Pero para mover la fantasía con más
Velocidad y blandura venciera Homero Apeles,
Porque en suma retrata el alma la divina pluma
                                            Lope de la Vega

Pinturas abstractas:
Su intención no es parecerse a nada, de los que hay en el mundo real, sino que utilizan colores, formas y líneas para expresar, sentimientos, estados de ánimo, o ideas.

Perspectiva:
Es un sistema que se usa para representar un espacio tridimensional sobre una superficie plana. En el mundo real, cuanto más se alejan del espectador los objetos, más pequeños parecen y las líneas paralelas parecen converger. La perspectiva imita este fenómeno. Fue desarrollada durante el renacimiento italiano por: León Battista Albertti (1404-1472) y Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Ilusionismo:
Los artistas emplean métodos como la perspectiva, para crear la ilusión de que los objetos pintados son reales. El sotto in sú que en italiano significa”de abajo hacia arriba”, es una técnica usada para pintar techos y muestra los objetos desde abajo para que parezca encontrarse arriba de la cabeza del espectador.

Punto de fuga:
Es el punto en que las líneas que serían paralelas en la realidad convergen en la distancia sobre la línea del horizonte de la pintura (donde el cielo y la tierra se unen). A medida que las líneas convergentes se desplazan hacia adentro en dirección al punto de fuga, dirigen la mirada del espectador hacia la profundidad imaginaria del cuadro. Al enfocar la diminuta figura que está en el camino, justo debajo del punto de fuga, el espectador cree que casi es posible entrar en el paisaje pintado.

 

FRANCISCO DE GOYA

Es el Precursor del arte moderno.
La obra de Goya es muy amplia y variada, comprende tapices, cuadros, murales, más que 500 retratos grabados, litografías y dibujos. En este artista todo conmueve y sorprende. El cultivo de los más variados géneros, los cambios profundos de sensibilidad, la variedad de recursos técnicos, -oleo, temple, aguafuerte, litografía- impide que se pueda hablar de un solo estilo. La obra de Goya pasa por múltiples facetas, pero hay una característica constante en toda la obra de Goya: la necesidad de expresión. Considera sus obras acabadas cuando se logra ver en ellas, lo que el pintor quiere expresar, aunque a veces tenga que romper con la terminación cuidadosa a la que estaban acostumbrados sus antecesores.                                                    

Pinturas realistas
Algunos artistas pintas aspectos del mundo visible, como personas, paisajes, bodegones con vajillas, frutas y flores, o escenas de la historia, la literatura y la imaginación.

Abstracción Lirica

La Abstracción lírica es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló a partir de 1910 con la obra de Vasili Kandinsky, fecha que se toma usualmente como referencia para marcar el comienzo de la pintura abstracta: una acuarela de este pintor titulada precisamente Primera acuarela abstracta. De este mismo año es su obra De lo espiritual en el arte. Kandinsky ejemplifica esta abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte.

El tema que desarrollan los pintores de la abstracción lírica es, pues, la expresión de la emoción pictórica del artista, individual e inmediata. Rechazan representar la realidad de forma objetiva. La técnica preferida de estos pintores fue la acuarela, pintando igualmente bocetos y apuntes pequeños. No obstante, también elaboraron grandes telas al óleo. Predomina el color sobre la forma.

El retrato pintado por Daphne Todd trae de nuevo el tema de la muerte a la pintura. La crudeza no puede ser mayor. Artistas de las latitudes de la pintora, como Damien Hirst o Francis Bacon, y el escultor Ron Mueck llevan mucho tiempo reflejando en sus obras una muerte sin esperanza, en la que el hombre queda reducido a la putrefacción de su cuerpo. La evolución de la carne, los huesos, los aspectos más materiales del proceso de la muerte centran la atención de muchos artistas modernos.

   Rojo

Habla de ti el centro. Allí donde habita la vida y el calor es de donde fluyen las palabras con que se te expresa. Tú nombre no basta. Otros nombres, como el de "sangre", "pasión", "furia", "voluntad", "vida", dicen mejor que tú lo que eres. Nada en lo que estás pasa desapercibido. El ánimo salta, la voluntad se fortalece, el instinto se agudiza, haciendo que todo descienda hacía la profundidad del centro del cuerpo. No eres el ser, sino la existencia. Todo puede ser en algún mundo, pero en éste, el del hombre, has de estar tú para que "sea". Existir es sufrir, y ahí estás tú, desde el nacimiento y muchas veces en la muerte. Nuestro ojo ve en todo lo que vive y muere tú presencia. Si eres diminuto en el espacio blanco, vaticinas una tragedia; si creces ocupando la dimensión grande de un plano blanco, la presión hunde al espectador hasta tener que de salir del centro a través de un "grito". Él es tu voz. De tí se necesita cuando el tédio domina al hombre; volviendo con una punzada en la carne: haciendo recuperar la vida. Si te vas hacía el azul comienzas a morir. El camino hacía el azul supone perderte en la inmesidad de un espacio, en el que la oscuridad termina por ocultarte. Capirotes malbas y violetas anuncian el negro del final del camino. Si te mueves hacía el amarillo, sales del centro buscando una luz. La que encuentras en el naranja y de la que no te has de mover para seguir siendo luz y no claridad. Eres la mayúscula del Amor; el color de Dios en la cruz. El color que estuvo tres días en el azul del sepulcro para después brillar.

              ESTUDIANTE

ROSIRIS ROSA PINEDA BOLAÑO